Entrevista a Raimundo Garcia, Director de cine: “el único cine interesante se encontrará en nosotros, los cineastas independientes”

diciembre 18, 2009

 

El director y guionista asturiano Raimundo García, más conocido como Ray García, es un experimentado hombre de cine. Ha trabajado en numerosos proyectos para la gran pantalla  y la televisión. Además ha escrito y dirigido Cuba-libre, gran exponente del cine español independiente.

Regidor en La guerra de Papá, auxiliar de dirección en La escopeta nacional, script en Nacional III y Moros y cristianos, ayudante de dirección en Perdona Bonita pero Lucas me quería a mí y mucho más.

Logró subir al podio en el Orlando Hispanic Film Festival con su Cuba – libre (vídeo – 2:07), película que protagoniza Kira Miró, para quien también hubo galardón, el de mejor actriz.

Por si fuera poco, desde los tiempos de la movida, no deja de demostrar su polivalencia artística como pintor, fotógrafo y músico. No es difícil encontrarle subido a un escenario liderando a su Hora Bruja.

P: Tu cortometraje un juego de niños (Vídeo – 2:35) fue premiado en el festival de la Palma. ¿Le quitas importancia a los cortometrajes como hace mucha gente? ¿crees que empezar haciendo cortos puede ser un buen comienzo

R: Te voy a responder en los dos sentidos:  En primer lugar, yo comencé mis trabajos como director con un cortometraje titulado “Coplas de Don Guzmán” con el que obtuve el Colón de Oro al mejor cortometraje en el Festival Internacional de Cine Iberoamericano de Huelva. Por lo tanto, sí, creo que es una buena manera de comenzar una carrera cinematográfica. Pero, en segundo lugar, creo que el cortometraje tiene un verdadero sentido y valor en sí mismo. Si tienes una buena historia que contar, la duración de la película es algo secundario. En este sentido, siempre me ha parecido una buena comparación la del cortometraje con el cuento literario. En otras palabras: yo nunca renunciaré a rodar un cortometraje si lo que tengo que contar me parece lo suficientemente interesante.

P: En Cuba – libre te volcaste como director y guionista siendo tu ópera prima, y sin duda ha sido muy reconocida y acogida en España. ¿Estás satisfecho con el resultado final de la película?

R: Sin duda, estoy muy satisfecho con el resultado de mi película. Fundamentalmente porque es la película que quería hacer y el resultado es exactamente el que buscaba. Esto es lo importante. Luego vienen el reconocimiento, los siete premios internacionales que ha logrado hasta el momento. Pero, insisto, lo fundamental es que cuando te enfrentes a ti mismo y a tu obra, puedas sentir que el resultado es coherente con tu planteamiento inicial.

P: ¿Por qué Cuba – libre?

R: El guioncito entre CUBA y LIBRE, es decir Cuba-libre, no es un detalle menor. Redondea el título haciendo que tenga aún mas ironía y acidez; Cuba, un país con un régimen político concreto, Libre, un concepto, digamos, filosófico y Cuba-libre, un cubata, que, además en el grafismo del título imita al de Coca-Cola, el máximo símbolo del capitalismo mundial, de una forma de vida totalmente contraria a la del régimen cubano. Vamos, que viene a ser un pequeño rompecabezas de múltiples lecturas. Y, respondiendo a tu pregunta, quise mezclar en una misma historia el Comunismo y el Capitalismo, dos formas aparentemente antagónicas para mostrar que, en el fondo, entre un capitalismo de estado y un estado capitalista, al final, la única diferencia es el orden de las palabras… Todos los gobiernos, todas las formas políticas, desgraciadamente, terminan por intentar domesticar a los individuos de una u otra forma.


Caretel Cuba Libre // taringa.net

Caretel Cuba Libre // taringa.net

P:  Cuba Libre es una película diferente a las que estamos acostumbrados a ver, es original en sus planteamientos y en su resolución ¿Qué razones te llevaron a poner en practica ese proyecto de tal envergadura?

R: Cualquier artista pone en marcha una obra cuando cree que tiene algo entre las manos que merece la pena que sea pintado, esculpido, compuesto o rodado. Y, personalmente, creía y creo que era necesario contar todo esto: la manipulación de los individuos como tales, la peligrosa tendencia a cortar las alas a todo el que quiere volar por libre. Estamos creando unas sociedades donde hablamos de lo “Políticamente correcto o incorrecto”. Por un lado la Política carece de la Ética necesaria para autoadjudicarse la potestad de erigirse en juez  y por otro, simplemente, no es su función. 

P: En la película tocas de forma crítica el tema de los medios de comunicación, los modos y maneras de la política, el turismo sexual, la presunta brutalidad de la policía, el arribismo laboral de algunas mujeres y la especulación inmobiliaria. ¿Crees que lograste transmitir lo que querías?

R: Sin duda el propio recorrido de la película lo demuestra. Retomando los conceptos de la pregunta anterior, a los que miden con el varemo “políticamente correcto” o con una clave de cine más “americanizante”,  la repudian visceralmente y a los que miden desde lo “políticamente incorrecto”, también, porque se les escapa. El concepto “incorrecto” ha sido asimilado por el propio sistema para convencernos de que somos una sociedad libre, en la que se admiten las críticas y las diferentes opiniones. Pero, claro, únicamente hasta un punto, hasta un límite, los que lo sobrepasan se convierten en “perros verdes” “marginados sociales” “impresentables” “anarquistas” y “gentes de mal vivir”,  en general. Y, éstos, curiosamente, son los principales defensores de la película. Únicamente un pequeño matiz. No se trata del arribismo laboral de algunas “MUJERES”, el arribismo no sólo laboral, también en los grupos de poder económico, político, social o de comunicación, se ha convertido en moneda común y carece de sexo. Sí, en la película, la periodista es una mujer, y arribista, pero también lo es el productor de la cadena, o el cámara. 

P: Entrando ya un poco más al plano conceptual, ¿Cómo definirías el cine, cuál es su concepción?

R: El Cine, dicho desde la humildad y profunda admiración hacia cualquier manifestación artística, es el arte de las artes. La narrativa cinematográfica no se puede concebir sin la pintura, la fotografía, la música, el ritmo y muchos otros parámetros heredados  de otras disciplinas del Arte.

P: El cine está compuesto de varios elementos, tales como la imagen, el sonido, los diálogos, etc. ¿Consideras que hay algún elemento cinematográfico de mayor importancia, aquel que traza el perfil de la película?

R: Si, hay un sólo elemento clave:¿Qué quieres contar o transmitir con la película?. Una vez que eso se tiene claro, todos los elementos de los que hablas tienen que ponerse a su servicio. Incluso el propio autor de la película, su director, debe convertirse en el primer servidor de lo que quiere contar. Sería un pecado mortal cinematográfico dejar que algún elemento de los que hablamos destaque sobre los demás. Eso hará que la atención se desvíe de lo fundamental. Y en una buena película no debería ocurrir nunca.

P: Estos elementos que mencionaba antes, en su conjunción generan un lenguaje cinematográfico. ¿Crees que el cine español tiene un lenguaje propio, un lenguaje en formación o es una burda imitación de estereotipos americanos?

R: El lenguaje carece de nacionalidad, al igual que ocurre en la literatura o en cualquiera de las Artes. El lenguaje se compone de una estructura interna “universal”. Son mecanismos establecidos para que la comunicación sea factible. Evidentemente, existen artistas que juegan y experimentan con ese lenguaje. Y es perfectamente legítimo, pero individual, y difícilmente se genera un sello narrativo plural. Sirve, eso sí, para que el propio lenguaje evolucione. En nuestro caso, tenemos una riqueza impresionante. Algunos ejemplos podrían ser la picaresca, el esperpento, el humor negro o un realismo con frecuencia brutal; todos ellos omnipresentes en la herencia recibida por Cervantes, Goya, Solana o Buñuel. Y, ahora, ya puedo responder a la pregunta que me haces. Efectivamente, creo que las nuevas generaciones, salvo casos concretos, están derivando a una imitación del dominio estético preponderante, el americano, donde prima el envoltorio, lleno de efectos especiales, despliegues técnicos y “grandes” actores prefabricados, sobre el contenido. Como dice mi amigo Manolo Tena “Demasiado de nada”. Otros, preferimos tomar el testigo de nuestra propia herencia y seguir nuestro camino con él en las manos. “El Bola”, “Pídele cuentas al Rey”, “ El truco del manco”, “Arrebato”, “El desencanto” “Atraco a las tres” o cualquier película de Berlanga pueden servir de ejemplo de un cine verdaderamente “nuestro”. Desgraciadamente lo “universal” mal asimilado puede terminar por hacer que todos terminemos tomando coca-cola y comiendo hamburguesas y nadie se acuerde de la fabada. ¡Peor para nosotros!

P: ¿Cuál sería tu diagnóstico sobre el cine español de los últimos años?

R: Que poco a poco el Ministerio de Cultura, las multinacionales americanas y las cadenas de televisión, van logrando que desaparezca. Llegará un momento, muy cercano, donde el único cine interesante se encontrará en nosotros, los cineastas independientes, alejados de grandes presupuestos, desprotegidos por el propio Ministerio de Cultura y sin ningún acceso a los circuitos más amplios de exhibición. ¿Cómo nos las ingeniaremos? Pues… de alguna manera, seguro… En ello estamos.

P: Por último, ¿Tienes algún proyecto en marcha? O si no es así ¿en mente?

R: Claro que sí, De lo contrario estaría muerto. Me sobrevuelan un par de historias, aún en pañales, que quizás se conviertan un día en películas. Y el proyecto que si que tengo en marcha es una serie documental de trece capítulos de media hora cada uno, Locos por incordiARTE, sobre trece artístas, más o menos conocidos, y que a través de sus obras y personalidades conforman una manera de hacer y entender el arte bastante alejada de las modas, de los caminos ya conocidos y de  lo “políticamente correcto”.

Ya sabes, Dios nos cría y nosotros nos juntamos.

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Los grandes olvidados de los “Oscar”

noviembre 25, 2009
 
Dentro del mundo del cine, los esperados premios Óscar no sólo traen glamour y brillantes estatuillas, sino que también dan lugar a un gran número de decepciones y sorpresas. Grandes talentos de la cinematografía mundial han sufrido en alguna ocasión algún feo por parte de la Academia, ya que muchos profesionales se han merecido ganar este premio y nunca lo han conseguido.

Estatuilla de los premios Oscar // perros. metro951

Estatuilla de los premios Oscar // perros. metro951

En cada ceremonia de los Óscar hay personas que son olvidados por Hollywood y en 2009 no iba a ser de otra manera. Clint Eastwood, Jonathan Demme, El caballero oscuro o Gomorra son los principales perjudicados este año. Quizás el mayor descuido es el no haber nominado a Clint Eastwood por su enternecedora interpretación de un amargado, racista y políticamente incorrecto veterano de la guerra de Corea, en Gran Torino, película que, en contra de toda predicción,  no ha obtenido ningún galardón.

     Pero este no es el primer año que circunstancias así tienen lugar en estos premios. La lista de los grandes olvidados de Hollywood la encabeza indiscutiblemente Alfred Hitchcock, uno de los grandes maestros del suspense. Fue candidato al Óscar al mejor director seis veces entre 1941 y 1961, por inolvidables películas como Rebecca (1940), Rear Window (1954) o Psycho (1960). Pero al final sólo logró llevarse un Óscar honorífico. A pesar de haber rodado más de 60 películas, la Academia de Hollywood le negó siempre el apreciado galardón.

     Martin Scorsese, está considerado como uno de los mejores directores del cine actual. Ha sido autor de clásicos como Taxi Driver (1976), nominado al Óscar cuatro veces como realizador y dos como guionista. Pero con Gangs of New York (2002), que recibió diez candidaturas, no obtuvo ninguna estatuilla.

     Stanley Kubrick, el maestro del surrealismo, fue otro de los genios que recibió 13 nominaciones, dejó un impresionante legado de imágenes, técnicas e historias. Nominado cuatro veces como director por Barry Lyndon y La naranja mecánica entre otras y tres como guionista. Su última obra fue la controvertida Eyes Wide Shut, protagonizada por Nicole Kidman y Tom Cruise, cuya post producción se vio truncada por la muerte repentina del director, por lo que se dice que la edición de la cinta no estuvo bien ejecutada. Sin embargo, sólo ganó un Óscar a mjores efectos especiales en Odisea en el espacio.

El cineasta Stanley Kubrick durante el rodaje de 'La Naranja Mecánica' // Reuters

El cineasta Stanley Kubrick durante el rodaje de 'La Naranja Mecánica' // Reuters

     Woody Allen ha recibido 3 Óscar, 2 por Anni Hall como director y guionista y uno por Hannah y sus hermanas como guionista. Pero el número es algo bajo para la cantidad de nominaciones que ha obtenido a lo largo de su carrera, más de 20. Nunca ha conseguido la estatuilla como actor pero en el fondo nunca ha mostrado un gran interés por estos premios.

     Orson Welles, es uno de los más grandes directores de la industria. De hecho su película Ciudadano Kane es considerada una de las mejores de la historia y tan sólo recibió el Óscar a Mejor película. 30 años después fue reconocido con la entrega del Óscar honorífico.

cartel de la película "ciudadano Kane" // Taringa

cartel de la película "ciudadano Kane" // Taringa

     Otro de los personajes clásicos de la historia de Hollywood fue Cary Grant, que tan sólo fue nominado dos veces y en ninguna de las dos ocasiones recibió el premio, a pesar de que años después se le dio el Óscar honorífico debido a su gran trabajo como actor.

     Charles Chaplin, el grande del cine mudo, tampoco consiguió una estatuilla por ninguno de sus trabajos pero, por el contrario, fue premiado  con dos oscar honoríficos por su trabajo en El circo (1928) y por su aportación a que el cine fuese un arte durante el siglo XX.

     Han sido muchos más los olvidados de estos Premios tan esperados, entre ellos, Ridley Scott, Ingmar Bergman, Tim Burton, Roberto Rossellini o Peter O’Toole, que llegó a estar 7 veces nominado.

     Hitchcock, Welles y Chaplin por lo menos tuvieron su Óscar Honorífico. Sin embargo, existen otros buenos artistas que ni eso obtuvieron, son, entre otros, Fritz Lang, Krzysztof Kieslowsky, Andrei Tarkovsky, Vittorio de Sica, Francois Truffaut o Luís Buñuel.

     Parece algo habitual en la Academia, otorgar a un actor un premio honorífico después de toda una carrera de nominaciones pero ni un solo Óscar.

     Con respecto a los Oscar Honoríficos, la actriz Marlene Dietrich dijo lo siguiente: “Te lo dan cuando tienes un pie en la tumba”, algo que no se desencamina de la realidad.

     El récord al mayor número de galardones honorarios lo tiene el actor Bob Hope. Durante muchos años fue maestro habitual de la ceremonia por lo que obtuvo 5 estatuillas honoríficas, sin embargo, ni un solo Oscar por sus más de 70 películas.

Bob hope con un Oscar // terra.es

     No sólo hay personas olvidadas en el glamuroso mundo de los Oscar, también hay películas completamente ignoradas. Dentro de ellas están La naranja mecánica, King Kong y Frankenstein, entre otras.

Y los españoles recordados…

Tuvieron que pasar 50 años después de la aparición de estos premios para que Jose Luís Garci abriera la veda con Volver a empezar, ostentando a su vez el récord de cineasta más veces nominado, le seguirían Sesión continua (1984), Asignatura aprobada(1987) y El abuelo (1998). Por otro lado, Fernando Trueba logró nuestro segundo galardón con Belle époque (1993).

     Todo el mundo se acoradará de  que Javier Bardem estuvo nominado por Antes que anochezca (2000), y que terminó consiguiéndolo por No es país para viejos (2007), por su parte Penélope Cruz acarició la preciada estatuilla por Volver (2006), pero se lo llevó  para casa,  finalmente , por Vicky Cristina Barcelona (2009).

     Gran parte del cine español que sobrepasa nuestras fronteras es Almodóvar o Amenábar. El director manchego estuvo como finalista por Mujeres al borde de un ataque de nervios (1988). Esta cinta constituye uno de los mayores éxitos internacionales del cine español, y aún hoy se sigue hablando de cómo pudo perder aquella noche frente a una gran película danesa, pero de la que hoy nadie parece acordarse. Lo consiguió con Todo sobre mi madre (1999); así mismo, posee el privilegio de ser el único cineasta español en estar nominado a mejor director y de conseguirlo por el guión de Hable con ella (2003) . Con respecto a Alejandro Amenábar, el que fuera nuestra más joven promesa ya convertida en toda una realidad, cosechó con Mar adentro (2005) el cuarto Óscar para la cinematografía española.

Almodovar con el Oscar // rtve.es

Almodovar con el Oscar // rtve.es

     Tocados o no por la gracia, a veces caprichosa de estos premios, todos estos nombres han enriquecido con su profesionalidad y talento al séptimo arte.


“El secreto de sus ojos”: vuelve el cine como arte

noviembre 9, 2009

 

El secreto de sus ojos es la nueva película de Juan José Campanella que nos muestra un trabajo plagado de calidad en donde su profundidad sobre el amor nos genera al mismo tiempo gran incertidumbre. El sentido del humor, del drama y, en definitiva, la humanidad se entretejen en un thriller de suspense, al que pocos peros se le pueden poner.

cartel de la pelúcula "El secreto de  sus ojos"

cartel de la pelúcula "El secreto de sus ojos"

El cine de Argentina ha sido históricamente uno de los más desarrollados del cine latinoamericano. A lo largo del siglo XX la producción cinematográfica argentina, apoyada por el estado y avalada por el trabajo de una larga lista de directores y artistas, se ha convertido en una de las principales del mundo en idioma castellano. 

     De la mano de este cine Juan José Campanella nos presenta su gran obra, El secreto de sus ojos. El director argentino, dotado de un talento especial para hacer películas que llegan directo al corazón, desde Luna de Avellaneda (video- 3:06)  hasta El hijo de la novia (video – 2:21) sorprende con un cine donde los sentimientos están sobre los efectos especiales, donde los valores tienen un lugar preponderante, y la reivindicación del barrio es esencia. Ése es el cine de este hombre que abrazó este arte cuando tenía 13 años. Y es también un hombre exitoso. Con esa concepción del séptimo arte se convirtió en un mimado de los espectadores.
En pleno rodaje. Campanella junto a Darín y Villamil // lanacion.com

En pleno rodaje. Campanella junto a Darín y Villamil // lanacion.com

     Esta historia es protagonizada por un reciente jubilado de tribunales, Benjamin Espósito, en la piel de Ricardo “el rey” Darín, que aprovecha su tiempo libre para embarcarse en la escritura de esa novela que siempre quiso hacer. Entre idas y venidas de superar la página en blanco recurre a uno de los casos que le marcó la vida: el asesinato precedido de violación de una joven. El acercamiento al marido de la víctima le había removido demasiadas cosas dentro, no podía creer el amor que destilara ese hombre desolado por la pérdida y no podía dejar de lado la resolución del caso tratando de superar las insoportables leyes de la burocracia argentina y las impunidades de una época a las puertas de la dictadura.
     La narrativa, que vuela entre la década de los 70 y el presente de Benjamín, es increíblemente atractiva. Se nos cuentan historias que se abren en un abanico que sólo en los últimos 5 minutos finales se cierran a la perfección. Es en este punto donde, así como ocurriera en Nueve reinas  (video – 1:44) al espectador no le queda otra cosa que soltar esa exclamación final: ¡Qué peliculón! No le falta nada: comedia, romance, drama, suspense.

     El elenco de actores permite creerse a los personajes y sentir con ellos, bien perfilados por la pluma de Campanella —o de su alter ego Benjamín—, con un Ricardo Darín que vive en carnes propias lo que dice y una Soledad Villamil que responde con los ojos a tanta solicitud no manifestada. Buen papel también para Guillermo Francella como amigo borracho pero fiel, cómico y dramático a la vez.

Escena de "El secreto de sus ojos"

Escena de "El secreto de sus ojos"

     El cine que tiene sentido, que es complejo, rico, que concreta y sugiere, que avanza firme, que envuelve, conmueve, pone en tensión, engancha, el cine de siempre, el cine como arte, se ha apuntado un nuevo tanto gracias a esta película que se ha alzado como uno de los mayores éxitos cinematográficos de este año.

(video 2:36)


Muere uno de los grandes: José Luis López Vázquez

noviembre 4, 2009

 

José Luis López Vázquez falleció ayer tras una larga enfermedad a los 87 años en su domicilio, acompañado de su familia y de su amor tardío, la actriz Carmen de la Maza. El mundo del septimo arte lloraba su muerte, ya que poca gente ha transformado el cine español como este hombre a lo largo de su más que prolífica carrera.   

José Luis López Vazquez // Abc.es

José Luis López Vazquez // Abc.es

José Luis López Vázquez, uno de los máximos exponentes de un cine que ya no se hace en España, nació en Madrid en 1922. Su carrera cinematográfica arrancó a finales de la década de los cuarenta. Fue dibujante y figurinista antes que actor y, para muchos, uno de los mejores tragicómicos de la historia del cine español. Nació frente al cine Doré, en pleno centro de Madrid, en el seno de una familia pobre y desestructurada. El viejo edificio Doré y las películas de Buster Keaton marcaron, según explicaba él, su destino. 

     El actor deja como legado cerca de 300 personajes y algunos de los títulos más memorables del cine español como El Pisito, El Verdugo y La Cabina. Consumado cómico que triunfó en un cine casposo, que llenaba salas antiguamente, también supo demostrar sus dotes dramáticas encerrado en aquella claustrofóbica cabina en la que le metió Antonio Mercero. 

(vídeo – 1:27) 

 

     López Vázquez empezó como prometedor actor cómico, participando en algunas de las mejores películas españolas de la historia como secundario,  pero muy eficaz. Luego se vio involucrado en lo que se llamó el landismo, de Alfredo Landa, con cientos de películas de nombre glorioso como El cid cabreador, Qué verde era mi duque, etc. Se creó un personaje pero supo salir de él.  Un gran actor, un gran cómico, capaz de pasar de un registro a otro,  uno de los que trabajan sin parar, hasta cinco películas por año y todas con suecas. 

cartel de "A por las suecas"
 

     En su filmografía se encuentra gran parte de lo mejor del cine español y hasta Hollywood intentó llevárselo, aunque no lo consiguió. Con Berlanga rodó Plácido, El verdugo o la trilogía nacional, con Carlos Saura La prima Angélica o Pippermint Frappé, Atraco a las tres, de José María Forqué, o Mi querida señorita, de Armiñán, y la olvidada Viajes con mi tía, de George Cukor, ese mismo año. 

Descansa en paz.


Las otras miradas de Carlos Saura

octubre 26, 2009
Detalle de un cuadro y del cuaderno de rodaje realizado por el director Carlos Saura // Efe

Detalle de un cuadro y del cuaderno de rodaje realizado por el director Carlos Saura // Efe

 

En el contexto de la 54 edición de la  Semana Internacional de Cine de Valladalid o Seminci se acogerá una exposición que rinde pleitesía a la obra y personalidad de uno de los cineastas más importantes de España, Carlos Saura, en la que se recogerá una “visión global” de su obra y se destacará el trabajo y la labor humana del director.

Después de recibir ayer la Espiga de Oro en el festival de cine de Valladolid por su gran aportación al cine, Carlos Saura se pasea estos días por el Museo de Arte Contemporáneo Patio Herreriano, donde se inauguraba la exposición Otras miradas de Carlos Saura, que recoge sus diversas facetas como fotógrafo, escritor y pintor, además de diverso material cedido por el director.

Carlos Saura es uno de los grandes directores de nuestro cine. Nació en Huesca en 1932, pero en su juventud se trasladó a Madrid para estudiar en el Instituto de Investigaciones y Estudios cinematográficos. El talento de Saura, que ha firmado una cuarentena de largometrajes entre Los Golfos (1959) y Io, Don Iovanni (2008) (video- 1:48), desborda el ámbito cinematográfico y descubre la figura de un intelectual de gran calado que ha puesto su talento al servicio de la gran pantalla en detrimento de otras potencialidades que se intuyen en la muestra.

La exposición abre una ventana desconocida del autor. Así, la muestra, que tras su estancia en Valladolid cobrará carácter itinerante y visitará otras ciudades, está dividida en seis grandes bloques temáticos. La violencia y la muerte, las mujeres, la historia de España, la música y la danza, la fotografía y el cine observados a través de la mirada, siempre inquisitiva y tremendamente particular de este artista multidisciplinar.

Otras miradas  incluye apuntes tomados del natural y bocetos de sastrería para la indumentaria de personajes de El Dorado (1988) o ¡Ay Carmela! (1990), que advierten ya la calidad pictórica de Saura. La misma esencia se aprecia en los apuntes gráficos pertenecientes a secuencias dibujadas en el guión de Goya en Burdeos (1999), que comparten espacio con otros personajes de los rodajes de La caza (1965) o Los ojos vendados (1978).

Escena de la película "Goya en Burdeos" de Carlos Saura

Escena de la película "Goya en Burdeos" de Carlos Saura

Dentro de su faceta como fotográfo, destacan las imágenes extraídas de los rodajes de Sevillanas (1991) y Flamenco (1995); mientras que otra de las partes está reservada a fotos de personajes del director en el interior de su estudio, en lo que constituye un autorretrato espiritual e intelectual.

Carlos Saura con su cámara // educastur.es

Carlos Saura con su cámara // educastur.es

Esta exposición se suma en la 54 edición de Seminci a la primera retrospectiva integral de Saura celebrada en el mundo (4 cortometrajes, 1 mediometraje y 37 largometrajes), que servirán para conocer al autor a fondo y  para animar a aquellos que empiezan en el oficio.

Como muchos de sus compañeros de profesión aseguran, los rasgos que caracterizan a Saura son que  es un cineasta con la capacidad de «hacer que lo mismo sea siempre distinto», «de innovar constantemente» y que es capaz de que el actor sepa «en todo momento» lo que tiene que hacer.

 


“Moon”, gran triunfadora de las fantásticas de Sitges

octubre 19, 2009

 

Moon, película con la que se ha estrenado Duncan Jones, hijo de David Bowie, ha sido la gran sorpresa del 42 Festival Internacional de Cine Fantástico de Sitges. Esta no ha sido la única novedad del festival, ha habido desde  un premio honorífico para Vigo Mortessen, hasta un terrorífico desfile de zombis. 

Con los premios a la mejor película, mejor guión, mejor actor (Sam Rockwell) y mejor diseño de producción, Moon (video-2:06), que ya causó muy buena impresión en su pase en el festival barcelonés, recupera el cine de ciencia ficción de finales de los 70 y primeros de los 80, a los que rememora introduciendo maquetas para crear los efectos visuales. Cuenta la historia de Sam Bell, interpretado por Sam Rockwell, que trabaja en la Luna extrayendo un material  que ha cambiado el destino de la Tierra al descubrirse su potencial a nivel energético. Estos ingredientes, mezclados con una buena dirección, han hecho que Moon  sea una apuesta segura en uno de los festivales de cine fantástico más influyentes del mundo.

  

Sam Rockwell y Duncan Jones en Sitges // Efe

Sam Rockwell y Duncan Jones en Sitges // Efe

     El jurado del festival de Sitges, ha otorgado a Moon, además del galardón a la mejor película,  los premios correspondientes al mejor guión, firmado por Nathan Parker a partir de una historia del realizador del film, Duncan Jones, el mejor diseño de producción y el mejor actor, Sam Rockwell. Se da la circunstancia de que Rockwell ya mereció hace dos años en Sitges la misma distinción por su papel en El Hijo del Mal.

     Por otra parte, la española Elena Anaya  ha conseguido el galardón a la mejor actriz por su papel en la prometedora Hierro (video- 1:19), pero lo ha hecho compartiendo el premio con Kim Ok-Vin. 

     Sitges enloqueció por una noche cuando un gran número de personas tomaron las calles andando al estilo “franquestein”, algunos con cabezas cortadas, con ojos colgando, pellejos ensangrentados, heridas abiertas, vísceras y ropas putrefactas, parecía que verdaderamente los zombis se habían apoderado de la ciudad. Esta fue la forma de rendir tributo al 40° aniversario de un clásico del género,  La noche de los muertos vivientes, el aclamado debut cinematográfico de George A. Romero.

desfile de zombis Sitges // www.flickr.com

desfile de zombis Sitges // http://www.flickr.com

     En esta linea ha ido una de las películas con más expectación del festival, Bienvenidos a Zombieland, que se ha llevado el premio del público. La película la podremos ver en cines el 25 de diciembre. 

      Otro de los protagonistas fue Viggo Mortensen que  se llevó toda la atención de las cámaras. El actor fue a promocionar The Road (video- 2:50) la adaptación de la novela de Cormac McCarthy, La Carretera, que ha dirigido John Hillcoat, y que está generando esperanzas enormes. El aclamado actor también acudió a recoger el Gran Premio Honorífico del Festival en, reconocimiento a toda su carrera.   

     El festival se cerró con broche de oro con el homenaje a ‘Cazafantasmas’, por la que Ivan Reitman, que aprovechó para anunciar que dirigirá  Cazafantasmas 3,   recibió el premio “Máquina del Tiempo”.

     Por último, mencionar que el director del festival, Ángel Sala, ha asegurado que la asistencia de espectadores ha supuesto un 20 por ciento  más que el pasado año, pese a contar en esta edición con una sala menos de proyección, debido a los recortes presupuestarios.  Parece que debido a películas como Moon, este evento va creciendo año tras año.